STORIE. Codici della contemporaneità alla Farnesina: Kattinis, Settembrini e Serafini in mostra al Circolo degli Esteri

ROMA – “STORIE” è un progetto appositamente ideato per il Circolo Esteri del Ministero Affari Esteri di Roma nel quadro della Collezione Farnesina di Arte Contemporanea. Esso vive nobilmente sulle arti che riprogrammano il mondo, si campiona ad essere uno spettacolare archivio decentralizzato ove le diverse discipline si nutrono di arte-mondo, mira a rappresentare come si abita la cultura globale, ovvero l’altramodernità, che altro non è che una sorta di costellazione, una specie di arcipelago di singoli mondi e singoli artisti le cui isole interconnesse non costituiscono un continente unico di pensiero, ma lo specchio di un’arte postproduttiva e frontaliera, mobile, ipermoderna, ipertesa, ipercolta, mente e cuore, ma anche progetto e destino della comunicazione estetica. E’ con questo progetto, ideato e diretto dall’illustre Storico dell’Arte Moderna e Contemporanea Prof. Carlo Franza, intellettuale di piano internazionale, che si vuole indicare e sorreggere un’Europa Creativa Festival e, dunque, protagonisti e bandiere, bandendo ogni culto del transitorio per porgere a tutti il culto dell’eterno. Il terzo millennio che fa vivere i processi creativi nel clima di abitare stili e forme storicizzate, perché il futuro è ora, fra rappresentazioni e interpretazioni, ci porta a cogliere il nuovo destino della bellezza. Con l’arte vogliamo aprire finestre sul mondo, con l’arte vogliamo aprire stagioni eroiche, con l’arte vogliamo inaugurare una nuova civiltà.

 
Con “STORIE” (2024-2027) si porgono dodici mostre personali di dodici artisti contemporanei, taluni di chiara fama. Questa mostra dal titolo “La stanza delle Marche” è la quarta del nuovo percorso, ed è già una novità in quanto si veicolano a Roma nomi dell’arte contemporanea di significativo rilievo, che evidenziano e mettono in luce gli svolgimenti più intriganti del fare arte nel terzo millennio. L’esposizione curata dall’illustre Storico dell’Arte Contemporanea di fama internazionale, Prof. Carlo Franza, che firma anche il testo in catalogo dal titolo “Codice Naturale” riunisce una serie di opere degli artisti Julianos Kattinis, Marisa Settembrini, Eugenia Serafini, già apparsi agli occhi della critica italiana e internazionale come figure delle più interessanti e propositive dell’arte contemporanea, ed ancor oggi nella memoria di tutti ricordati come chiari e significanti interpreti.
 
Scrive Carlo Franza nel testo: “La citazione classicheggiante, il gusto del frammento storico, le parole piuttosto che la langue, sembrano corrispondere alla mancanza oggi di paradigmi unici e fondamenti. A guardare i capitoli e il lavoro artistico dei tre artisti è da qui, dalle vicende dell’oggi, che essi muovono nel vivere e fare la storia. Dico questo, perchè oggi siamo oltre il Postmoderno. Prima di essere qualcosa il Postmoderno è negazione di quello che va sotto il nome di modernità. Paolo Portoghesi, amico e intellettuale italiano dice a questo proposito: “la sua utilità sta proprio nell’aver consentito di mettere insieme provvisoriamente e paragonare tra loro cose diverse, nate però da un comune stato d’animo di insoddisfazione nei confronti di quell’insieme, altrettanto eterogeneo di cose che va sotto il nome di modernità. In altre parole il postmoderno è rifiuto, rottura, abbandono, assai più di quanto non sia scelta di una direzione di marcia”.

 
Da quei grandi movimenti come ilfuturismo, il realismo magico, la poesia visiva, la poesia visuale e altro, procede il lavoro artistico di Julianos Kattinis, Marisa Settembrini ed Eugenia Serafini sul linguaggio, sulla comunicazione, sui segni, sulle lettere, ove i riferimenti esterni sono la molla che fa scattare la corda-rivoluzione dell’informazione; lo statuto della modernità era fatto su misura per una società in cui era avvenuta quella rivoluzione dell’informazione che ha scosso profondamente le strutture del nostro mondo. I tre artisti italiani procedono sensibilmente attratti sulla linea dei “Novissimi” che sul versante della poesia aprirono gli anni del secondo Novecento, perché novus in latino può significare rivoluzionario, e dunque in linea per chi intende una svolta decisiva dell’arte.
 
Julianos Kattinis novello Enea disceso dall’Oriente a Roma, dopo aver giocato con gli Dei dell’Olimpo, in quella terra greca che gli ha travasato i geni, Kattinis insegue l’itinerario della fantasia e della memoria attraverso connessioni ideologiche, alfabeti, trame, giochi della mano e della mente, e riscrive con un linguaggio attuale l’ebbrezza arcaica, l’oriente esoterico, il fervore di una manualità tecnica che ha affrontato l’affresco e la grafica, i dipinti egli acquarelli. Culture diverse approdano, quindi, nel suo lavoro artistico, e l’oriente si amalgama all’occidente; del primo si legge il colore e la luce, del secondo tutta la dialettica delle avanguardie europee, con Picasso che ha aperto all’Europa la profonda trasformazione…Dalle dominanti visive che emergono dalle sue opere fuoriesce una vigorosa sintesi, il senso di una personalità convincente, originale e poetica, tutt’altro che cristallizzata. La materia e le forme delle sue immagini sono come prese da improvvise vertigini, e l’organicità della sua morfologia è un universo dilatabile e convulso fino ai più serrati e allucinanti esiti, a una germinazione nel reale, mettendo alle strette fantastico e metafisico, che ormai hanno certificato la personalità di Julianos Kattinis, nello stile delle sue simmetrie. Il gesto pittorico diventa così un atto rituale, un’esperienza liminale che si manifesta quasi in uno stato di trance meditativa.
 
La rappresentazione dell’infinito messa in piedi da Marisa Settembrini, illustre artista del Brera a Milano, anche nella sequenza della “Rosa” o del “Ritratto di Leopardi” va letta come indagine sulla transitorietà del tempo e delle cose, sul decrescere della rosa e sul suo sfiorire, come pure sul ritratto e il volto del poeta che ne contiene la sua vita Marisa Settembrini vissuta. In questo movimento l’evento artistico della Settembrini si è venuto ad esaurire con l’atto stesso della creazione. Arte non è dunque la pittura eseguita ma l’atto di eseguirla. E se l’arte è eseguire un gesto, il valore artistico sta soprattutto nel gesto stesso, in secondo luogo nel prodotto di quel gesto. Tra i vari gesti simbolici della Settembrini, quello di raccontare e assemblare la tela riassume il concetto di rappresentazione dell’infinito. Questo atto si impone come azione di ricerca e apertura verso uno spazio fisico e reale (il bosco, il giardino, la siepe, i fiori, l’orizzonte, l’accavallarsi infinito di ore e giorni) anche se infinito. La superficie stessa dei teleri, tra vuoti e pieni, come scenari aggettanti, è entrata in rapporto diretto con lo spazio e la luce reali. Tutto è qui giocato su collage-dècollage, su racconti di simbologie mitizzate, con cui, specie la luce radente, sottolinea le soluzioni di continuità. “In-finitum” è non solo ciò che è senza fine, illimitato; ma anche non-finito, incompiuto. Visioni che mettono in gioco le categorie del tempo e dello spazio. Ecco che con i teleri espressi e lavorati da Marisa Settembrini ci viene proposto con questa mostra ora come allora con “Omaggio a Leopardi” sia un viaggio alla ricerca del concetto di infinito nelle sue diverse accezioni, che ad esperire il senso cosmico dell’infinito e il prevalere della natura su tutto, come nel caso dell’installazione del bosco-siepe, spoglio e disadorno ma anche vegetante.

 
Eugenia Serafini ha aderito a portare avanti con nobiltà questa lettura artistica dell’esistente, questa fare arte senza perimetri, senza confini e senza frontiere, come una piattaforma celeste sempre mossa in direzione del sapere, come forma, luce e materia, sempre cariche di significati simbolici, e soprattutto come gesto artistico di indubbia matrice concettuale che ha fatto decisamente leva sulle architetture formali di ciò che è stato elevato al rango di immagine. Il suo lavoro di decenni appare oggi come una foresta che si è disposta, si è espansa e si è infittita sempre di simboli, svelando la densità storica di ogni immagine. La dimensione sacrale e spirituale di questa maturazione, spettacolo naturale-artificiale sacralizzato vive una dimensione nuova, come se la Serafini avesse, per un’intuizione antica, dato origine a una lettura del mondo e ai suoi alfabeti, tramite una riconciliazione tra imago imaginata e imago imaginans. E nel quadro di tutti gli svolgimenti e dei movimenti che si sono succeduti negli ultimi cinquant’anni nell’arte, il suo lavoro artistico, senza cedere a lusinghe e sirene, è in linea con quel detto del filosofo Bohme: “Il mondo visibile, con la sua moltitudine e le sue creature, altro non è che il verbo traboccato”. La sua arte è così possibile definirla un axis mundi che ci indica le altezze del cielo e le profondità della terra; ma anche un sapiente rivolo del mondo della natura, isolato dal fluire continuo della sua linfa vitale che tutto forma e modifica. E se nei “Fiori del Male” di Baudelaire è scritto che “la natura è un tempio ove pilastri viventi lasciano sfuggire a tratti confuse parole”, la sua arte intera è stata un’installazione sostenuta da un rapporto paritario tra il linguaggio dell’uomo e l’intera esistenza, liberando quella visionarietà dell’esistente che lega il mondo animale, vegetale e minerale in modo fluido, reciproco e primordiale. Il giusto ruolo che le spetta di sicura protagonista dell’arte contemporanea rivive tra la memoria matissiana e le prove dell’avanguardia, ruolo piegato alle diverse necessità di racconto, ai mutamenti dada, alla nativa virtuosità coloristica”.

Biografie degli artisti
 
Julianos Kattinis (nato a Damasco nel 1934 e morto a Roma nel 2023) è stato un pittore greco che viveva e lavorava a Roma. A Damasco, Kattinis partecipò attivamente alla vita culturale e intellettuale dell’epoca. Fu fortemente attratto dal Museo Archeologico di Damasco e Palmira, ricco di arte mesopotamica, greca e romana, da cui assorbì gran parte della sua ispirazione e immaginazione per il suo lavoro. La città di Deir ez Zor, vicino all’Eufrate, e Maaloula furono una fonte di stimolo per la sua vita artistica. Il cielo del deserto e i colori bianco e terracotta di Maaloula lo attrassero fortemente e influenzarono il suo modo di dipingere. Nel 1957 venne invitato dal Centro Culturale Egiziano di Damasco per la sua prima mostra. Nel 1961 la Galleria d’Arte Moderna di Damasco lo invitò ad esporre le sue opere al Salon National de Printemps e al Salon d’Automne, dove potè esporre la varietà di forme e tecniche che aveva a lungo sperimentato. Nel 1961 Kattinis decise di lasciare il Medio Oriente per andare in Europa, volendo entrare nella cultura dell’Europa degli anni ’60. Si stabilì a Roma, la città che più si addiceva alla sua idea di bellezza, e qui frequentò l’Accademia di Belle Arti, dove conobbe e strinse amicizia con i suoi maestri, i celebri pittori Mario Mafai, Nino Maccari e Giuseppe Canali, e nel 1964 conseguì il Diploma in Belle Arti. Nello stesso anno partecipò alla XXXII Biennale Internazionale d’Arte di Venezia con la sua pittura astratta, estremamente in voga in quel periodo in Italia. Durante i lunghi periodi trascorsi in diverse città europee come Parigi, Atene, Vienna, Ginevra, Monaco di Baviera, Innsbruck, visitò i loro musei ed entrò in contatto con la vita culturale di altri paesi. Tutto ciò lo colpì fortemente, provocando una svolta più autonoma della sua pittura in una sorta di espressionismo personale dando così il via a una nuova fase della sua arte, dove simbolismo ed espressionismo si fondevano in immagini fortemente colorate di paesaggi ed esseri umani. Dopo una serie di mostre di successo, tornato in Italia, Kattinis aprì il suo studio a Trastevere. In quel periodo estremamente vivace a Roma, uno dei periodi più fertili per il cinema europeo, molti artisti provenienti da tutto il mondo vivevano e lavoravano a Trastevere e in via Margutta. La psicologa americana Giorgina Nathan Burdett si interessò al suo lavoro e organizzò una mostra nel suo studio. John Hart del Daily American scrisse: ‘‘… Kattinis ha un’immaginazione illimitata e una prolifica padronanza tecnica, che gli permette di trattare temi solenni con una leggerezza apparentemente irriverente…’‘. Nel 1972 Kattinis è invitato al celebre Museo Palazzo Braschi di Roma. Nel 1977 il governo greco ha organizzato una retrospettiva del suo lavoro al Teatro Municipale (Dimotikò Thèatro) del Pireo-Atene (Grecia), e successivamente alla Galleria Kyklos di Salonicco (Grecia), tramite la critica d’arte greca Eleni Gyzi, con articoli sulla rivista d’arte greca Kaleidoscope e sui giornali greci. Nel corso degli anni gli furono commissionati grandi murales e affreschi esterni ed interni, tra i quali i tre grandi affreschi all’interno delle suite de ‘‘Le Fabbre – Fattoria Pianetti (Manciano) Italia, ispirati allo spirito dell’antica civiltà etrusca, insieme ad un bellissimo album di 12 acqueforti policrome ‘‘Gli Etruschi’‘. Una sua opera venne inserita all’interno della mostra dal titolo ‘‘Pittori del ‘900 e Carte da Gioco’‘, organizzata dal Museo di Roma Palazzo Braschi.
 
Marisa Settembrini è nata nel 1955. Dopo aver frequentato l’Accademia di Brera e la Kunst Akademie di Monaco di Baviera, è stata Titolare della Cattedra di Pittura al Liceo di Brera. La sua attività parte dal 1976 con l’invito alla mostra “La nuova figurazione italiana” al Palazzo dei Congressi di Roma, per conto della Quadriennale Romana. Numerose le mostre personali in Italia (Roma, Firenze, Venezia, Alcamo, Lecce, Todi, Milano, Erice, San Vito Lo Capo, Pavia, Brescia, Sondrio, Loreto, Teglio, Mantova, Recanati, Matera, Genova, Napoli, ecc.) e all’estero (New York, Monaco di Baviera, Berlino, Dusseldorf, Praga, Londra, Parigi, ecc.), e le partecipazioni a importanti rassegne. Presente in vari Musei stranieri e italiani. Ha vinto il Premio Lyceum per la grafica nel 1984, per la pittura nel 1994 il Premio Cortina, nel 1995 il Premio Saint Vincent, nel 1996 il Premio Bormio e il Premio Milano, il Premio Turris Magna- Città di Tricase, il Premio delle Arti- Premio della Cultura nel 2000 e nel 2003, il Premium International Florence Seven Stars-Grand Prix Absolute nel 2017, nel 2018 il Premio Artecom per la Cultura a Roma alla Biblioteca Vallicelliana e insignita dell’onorificenza di Ambasciatrice dell’Arte a Firenze. Nel 2011viene invitata a partecipare alla 54ma Edizione della Biennale di Venezia. Nel 2019, promossa dalla Regione Marche-Assessorato alla Cultura e dal Comune di Recanati-Assessorato alla Cultura tiene una personale dedicata al poeta Leopardi per la ricorrenza dei 200 anni dell’Infinito; e poi a Matera capitale della Cultura 2019. Nel 2021 tiene una personale a Roma per il Ventennale della Collezione Farnesina, promossa dal Circolo Esteri del Ministero degli Esteri. Nel 2022 è invitata in un Progetto/Biennale di Venezia 2022. Della sua arte hanno scritto critici e scrittori italiani e stranieri, da Giulio Carlo Argan a Luigi Carluccio, da Antonio Del Guercio a Enzo Fabiani, da Ferguson a Carlo Franza, da Virgilio Guzzi a Domenico Montalto, da Elisabetta Muritti a Nello Ponente, da Franco Russoli a Roberto Sanesi, da Walter Schonenberg a Marco Valsecchi, e ancora Fulvio Papi.
 
Eugenia Serafini, Docente universitaria, artista e scrittrice/performer, giornalista, si è laureata in Lettere Classiche all’Università La Sapienza di Roma ed è stata allieva del grande e illustre Natalino Sapegno. Figura complessa e interessante, è stata Docente di Storia dell’Arte dell’Accademia di Belle Arti di Carrara e dell’Accademia dell’Illustrazione e della Comunicazione Visiva di Roma, e dal 1999 Docente di Disegno dell’Università della Calabria. E’ nata a Tolfa (RM), piccolo e attraente borgo etrusco, nel 1946 e il suo percorso culturale l’ha portata a diventare artista di spicco nell’arte contemporanea internazionale. Poeta performer e installazionista, lavora da anni alla contaminazione intermediale e all’arte totale, utilizzando e fondendo gli apporti di diversi rami creativi: da quello visivo-digitale a quello teatrale, poetico e musicale che utilizza nella creazione delle sue installazioni performative. Direttrice editoriale dell’Artecom-onlus, ne ha ideato e dirige la Collana di Libri d’Artista e la Sezione per l’Ex-libris ed è responsabile delle rubriche di Arte e Letteratura Contemporanea della rivista FOLIVM. Numerose le sue pubblicazioni di saggi e monografie di artisti moderni e contemporanei. Vanta una vasta produzione di scrittura creativa e libri d’artista. Una delle sue ultime pubblicazioni è il bellissimo volume di poesia visuale e performativa con CD delle sue Performances, “Canti di cAnta stOrie”, Roma 2008, presentato dall’indimenticabile professor Mario Verdone che le è stato vicino per tanti anni nel suo percorso artistico ed esistenziale. Realizza da anni eventi di Cultura sul Territorio nella città di Roma ed eventi multimediali con partecipazioni internazionali di altissimo livello. E’ stata invitata a Stages, Simposi e Installazioni performative in Italia, U.S.A., Europa Orientale, Egitto, Francia, Romania, Ucraina e ha fondato nel 1998 il Museo di Arte Contemporanea “Micu Klein” di Blaj, in Romania. Sue opere si trovano nei Musei di questi paesi e in Collezioni private. Tra le partecipazioni recenti: 53^ Esposizione Internazionale d’Arte la Biennale di Venezia, 2009; 66^ Mostra Internazionale del Cinema di Venezia nel film “POETI” di Tony D’Angelo; Premio Sulmona 1998, 2006, 2008; 52^ Esposizione Internazionale d’Arte la Biennale di Venezia, 2007; A.R.G.A.M.- Primaverile Romana 2005; Premio Michetti 2003; Premio Italia per le Arti Visive 2001. Ha vinto il Premio Leone d’Argento per la Creatività della Biennale di Venezia 2013. Nel 2021 è invitata dallo storico dell’Arte prof. Carlo Franza a tenere una mostra personale dal titolo “Sguardo a oriente” nel progetto Mondi al Circolo Esteri del Ministero Affari Esteri per il ventennale della Collezione Farnesina, Roma.
 
Biografia del Curatore
 
Carlo Franza è uno Storico dell’Arte Moderna e Contemporanea, italiano. Nato ad Alessano (Lecce) nel 1949, è vissuto dal 1959 al 1980 a Roma dove ha studiato e conseguito tre lauree all’Università Statale La Sapienza (Lettere, Sociologia e Filosofia); dal 1980 è a Milano dove tuttora risiede. Allievo e Assistente di Giulio Carlo Argan. Professore Straordinario di Storia dell’Arte Moderna e Contemporanea, già Ordinario di Lingua e Letteratura Italiana. Visiting Professor nell’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano e in altre numerose Università Estere (Università della Slesia, Università di New York). Docente nell’ Executive Master “Diplomatic, Economic and Strategic Perspectives in Global Scenarios” alla School of Management dell’Università LUM nella Villa Clerici sede del Campus di Milano, Docente nel Master di Fotografia (ARD&NT Institute di Milano – Accademia di Belle Arti di Brera e Politecnico di Milano) dell’Accademia di Brera e Politecnico di Milano e nel Master Universitario in Management dei Beni Culturali allo Ied di Milano. E’ Consulente Tecnico del Tribunale di Milano per l’Arte Moderna e Contemporanea. E’ stato indicato dal “Times” fra i dieci Critici d’Arte più importanti d’Europa. Giornalista, Critico d’Arte dal 1974 a “Il Giornale” di Indro Montanelli, poi a “Libero” fondato da Vittorio Feltri e diretto da Maurizio Belpietro. Nel 2012 riprende sul quotidiano “Il Giornale” la collaborazione giornalistica come opinionista, unitamente alla sua Rubrica “Scenari dell’arte”, divenendo una delle Firme più lette. Ha al suo attivo decine di libri fondamentali e migliaia di pubblicazioni e cataloghi con presentazioni di mostre. Si è interessato dei più importanti artisti del mondo dei quali ne ha curato prestigiosissime mostre. Dal 2001 al 2007 è stato Consulente del Ministero per i Beni e le Attività Culturali. E’ fondatore e direttore del Mimac della Fondazione Don Tonino Bello. Fa parte del Comitato Scientifico di importanti Archivi per l’Arte (Archivio Arturo Vermi- Milano, ecc.). Dal 2022 è nel Comitato di indirizzo della Scuola di Giornalismo Walter Tobagi presso l’Università degli Studi di Milano. E’ Giudice aggregato (dal 2022 al 2025) in Corte d’Assise d’Appello di Milano. Ha vinto per il Giornalismo e la Critica d’Arte il Premio Cortina nel 1994, il Premio Saint Vincent nel 1995, il Premio Bormio nel 1996, il Premio Milano nel 1998, il Premio delle Arti-Premio della Cultura nel 2000 (del quale è oggi Presidente di Giuria) e il Premio Salento Arte – Città di Tricase nel 2008 (del quale è oggi Presidente di Giuria), il Premium International Florence Seven Stars per la docenza universitaria e il giornalismo nel 2017 (del quale è oggi Presidente di Giuria). Nel 2013 ha vinto il Premio “Berlino” per il Giornalismo e la Critica d’Arte. Nel 2016 ha vinto a Roma-Sala Vanvitelliana il Premio ARTECOM-onlus per il Giornalismo, la Docenza Universitaria e la Critica d’Arte. Nell’ottobre 2020 gli viene assegnato a Roma nella Biblioteca Vallicelliana il Premio Artecom-onlus come Protagonista della Cultura 2020.

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